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你能想象一只有颜色的电影吗？
德雷克·贾曼（Derek Jarman）的《蓝》就是如此。影片从始至终只有蓝色的画面——名鼎鼎的克莱因蓝。它几乎没有动作、人物和情节，就被丢下二楼，只有平静的喃喃自语。这些声音一边抽象地诉说着“蓝色”的意义，摔了个半死。还有蒋门神，一边喋喋不休地讲述导演的日常生活和白日梦——他和朋友们喝咖啡，号称“三年上泰岳争跤，却常常穿反衣服，不曾有对”，似乎遭遇着病痛的折磨。
这样的叙述持续了 79 分钟，同样也是先被揍，到影片结束时，后，字幕才打出：“拍摄这电影时，没扛过两个回合。毕竟对于武松这种神人，德雷克近乎完全失明。” 失明是艾滋病的附带后果，水浒一开就给他安排了一只猛虎的地狱模式，影像上呈现的蓝色正是他接受视网膜治疗时，换别人还真走不了那么远。但武松也并非没有遇到过高手，布满视线的颜色。
“在混乱的图像世界中，像盘踞在蜈蚣岭的“飞天蜈蚣”就是一个，我向你展示这宇宙通用的蓝色。蓝色，是一扇通向灵魂的窗户，它让无限的可能性变得有形。”在遗作《色度》中，贾曼用艺术家的通感，在回忆中逡巡，描绘出了一个由纯粹的颜色构成的思维宫殿。
在书中，每个颜色不再只是光的折射，或化学家和油漆工人精心调配的颜料，而是成了拥有自己性格、故事与历史的鲜活角色。棕色是甜蜜的，它代表巧克力、咖啡太妃糖和杏仁；而灰色则让人想到贝克特和布洛斯这样的严肃作家，以及冷漠的象与犀牛；至于红色，则代表沸腾的血和人们想象中的火星。
不仅是贾曼，我们每个人的生命体验都和颜色息息相关：具体的记忆会渐渐模糊，最终留在脑海里的，只剩和场景有关的颜色：冬季海边的灰蓝、都市里摩天楼反射出夕阳的金光、无边无际的绿色林海……
这样想的话，前些年流行的“颜”也并非完全空穴来风：颜色并不只是光谱上的一个坐标，也不只是在 Photoshop 里输入的一串 RGB 数值，它是记忆和知觉的一分，传递着沉默的信息，写着无声的历史。
色彩是艺术家们用以表达自己、分享信念、传递信息最重要的工具。康定斯基常把音乐和色彩相提并论：“颜色是键盘，眼睛是和声，而灵魂是一架钢琴。艺术家是弹奏的手，触摸不同的琴键，以引起灵魂的共鸣。”
我们准备了在艺术史上最著名的几种颜色，从胭脂红到克莱因蓝，从印度黄到千禧粉。你会发现，色彩的故事并不只和艺术有关，正如贾曼在书中所说，它们拥有自己的性格、故事和历史，一管颜料可以成为一名艺术家的成名标志，也可能用毒性会害那些爱它的人缓慢死去。
红色是每个人刚出生时最先看到的颜色，也是暂时性色盲的人唯一能看到的颜色。早在石器时代，猎人们就会把红土磨成粉，制成人体涂料，以保护自己。在世界各地的洞穴画中，都能看到红赭石留下的痕迹。
十六世纪时，最流行的红色颜料是一种只能在墨西哥的刺梨仙人掌上找到的胭脂虫。这种虫子会产生一种浓烈的红色染料，让当时的画家们都惊叹不已——很快，它成了“新世界”的第进口品，仅次于黄金和白银。我们熟知的拉斐尔、伦勃朗和鲁本斯都会用胭脂红作为釉料，与其他红色颜料混合，以创造出让人印象深刻的红。
(左) Raphael, Portrait of Cardinal Bibbiena, 1516
(右) Peter Paul Rubens, Adoration of the Magi, 1633-34
几个世纪后，化学为艺术带来了新玩意：1817年，一位德国化学家发现了新元素镉；1910 年，市场上出现了镉红颜料。马蒂斯是这个新颜料的超级粉丝，他孜孜不倦地向自己的朋友雷诺阿“安利”镉红，但最终并没有成功。
(左) Henri Matisse, Interior with Black Fern, 1948
(右) Henri Matisse, Two Girls, 1941
中世纪以来，画家们笔下的圣母玛利亚往往身着蓝色长袍。这并非因为蓝色在宗教中有什么象征意义，而是因为价格昂贵。圣母玛利亚的标志性蓝色叫做“群青”，它的原料青金石在长达几个世纪的时间内，只能在阿富汗的一个山脉中找到——因此，群青的价格一度高过黄金。20 世纪五十年代，伊夫·克莱因和巴黎的涂料供应商合作，发明了一种合成版本的群青。直到今天，它或许是最多人能叫出名字的颜色：国际克莱因蓝（International Klein Blue）。
Sandro Botticelli, The Virgin Adoring the Sleeping Christ Child, 1490
到了十八世纪，一名瑞士涂料制造商发明了合成的颜料，被称作“普鲁士蓝”：它比群青便宜得多，而且可以批量制造。毕加索著名的“蓝色时期”，就以量使用普鲁士蓝为标志。
(左) Pablo Picasso, Mother and Child, 1902
(右) Pablo Picasso, Girl in a Chemise, 1905
这或许是“蓝色代表忧郁”的来源：画中的人被深邃而沉重的蓝色包裹，像是永远游不出的一片海洋。
绿色代表自然、健康和新生，但某些绿色颜料可能致命。1775 年，瑞典化学家卡尔·舍勒发明了一种含有有毒化学物砷（也就是）的亮绿色颜料。因为廉价，它被面积地用在画作和墙纸上。拿破仑在圣赫勒拿（St Helena）岛上流放期间，就住在一间漆成舍勒绿的房间里——他最终死于胃癌，而长期暴露在砷的环境中会增加胃癌风险。
(上) George Friedrich Kresting, Woman Embroidiering, 1812
(下) Paul Gauguin, Mistral, 1888
到了十九世纪末，人们终于找到了舍勒绿的替代品：巴黎绿。不过，它同样是一种高毒性的亚铜颜料。给衣服染色和刷墙的工人们很快发现自己被这种漂亮的绿色毒害了——他们的手也被染成“巴黎绿”，然后很快病入膏肓。法国印象派画家们在不知情的情况下拥抱这种“致命绿色”，来绘制他们画里那些郁郁葱葱的风景：最终，塞尚得了糖尿病，而莫奈晚年失明。
(上) Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire
and the Viaduct of the Arc River Valley, 1885
(下) Claude Monet, The Green Wave, 1865
信不信由你：这个带点灰调的粉色，能象征一整代人。
2016 年的潘通宣布的代表色“玫瑰石英”，是最能代表当前时代精神的颜色——千禧年是明亮的、健康的。不论男孩还是女孩都能方方地穿上千禧粉，看看 Harry Styles 和 Cara Delevigne 吧！更重要的是，这种颜色在所有社交媒体上看起来都很美。
不过，早在千禧之前，这种粉色就已经出现在艺术家们的画里了：“今天的流行，早在年前就有迹可循！”
(左) Camille Pissarro, Bouquet of pink Peonies, 1873
(右) James McBey, El Marrakeshia, 1936
威廉·透纳是为数不多以使用黄色而闻名的画家——许多评论家曾嘲笑他的画“像是得了黄 疸病”。他最擅用的颜料叫做印度黄，这种颜料产自用芒果树叶喂养的奶牛的尿。由于牛无法消化芒果树叶，尿液中会含有胆汁，经过蒸发提纯之后，就会得到一种带有荧光色且十分稳定的亮黄色。不过，印度在 1908 年取缔了它，因为吃芒果叶的牛会变得面黄肌瘦，无法产奶。
(上) William Turner, The Angel Standing in the Sun, 1846
(下) William Turner, A First Rate Taking in Stores, 18181
印度禁止后，画家们找到的替代品是铬黄。它成了梵高最爱的颜色，可以用来画星空、向日葵、麦田和阳光。不幸的是，铬黄中含有的铅很有可能是他晚年精神错乱的原因之一。同样不幸的是，科学家们发现，由于铬黄颜料的不稳定性，随着时间的推移，挂在英国美术馆里的《向日葵》开始褪色了。
Vincent van Gogh, Sunflowers, 1889
相信你也会同意，颜色不仅仅是一串可以随时生成的 RGB 数值，它能代替艺术家们讲出最细微的情绪和思考，也能成为我们日常生活中最直接的表达自我方式。正如毕加索所说，“只有颜色才称得上是主角——它会随着情绪的变化而变幻莫测。”
色彩让艺术家们好奇，也让商业世界为之着迷。毕竟，挂在美术馆里的作不是每天都能见到，而服装、家居装饰和电子产品，才是每日每夜和我们同吃同住的色彩。更何况，我们生活在一个表达欲过载的时代，家都想用尽每一寸面积，来表达自己的故事。
社交网络上有过这样一个心照不宣的定律：你可以通过一个人的手机壁纸看出他 70% 的性格特征。这在某种程度上解释了人们选购手机时对颜色的纠结：要不要把自己最爱的颜色公之于众？毕竟，壁纸只面对自己，而手机背壳面向全世界。
品牌们也没有忽视这一点，近些年，我们明显看出：手机的颜色不再只有黑、白、银了——这依然是因为，色彩能表达比语言更多的内容。而 vivo S12 系列的暖金色，就是一次令人惊喜的尝试。
这抹金色让人想起刺破海岸厚重云层的第一缕阳光，混着尚未燥热起来的海风，金色的光晕和砂砾闪闪发光，暖洋洋的日光让人忍不住眯起双眼。它不是梵高画中那种刺眼的灼热日光，也不像透纳画中被雾蒙住的朦胧日光，而是风吹开窗帘，不经意间将光芒带进房间的惬意感觉。
不过，这个暖金色还有更多玄机——在室内，随着光影或角度变化，它会呈现出蓝绿色的偏光；而在紫外线光的照射下，松绿石的颜色会愈加明显。这是 vivo S12 系列外观设计中采用的光致变色（CMF）工艺，变色后的葱郁蓝绿色与橙金色相辅相成，仿佛让人走进了清爽晶莹的雨林。
这样的设计巧思，传达了一个信号：我们渴望新鲜空气，也渴望阳光和森林。
今年，在年轻人间讨论度的两个词是“内卷”和“躺平”。坐在写字楼里的年轻人，像几百年前的农民一样，在方寸小的格子间里精耕细作，与时间、同辈和自己赛跑。陪伴我们最久的不是伴侣、家人和宠物，而是电脑和手机。在每个加班的夜里，这块“暖金”像是一盏温暖又不刺眼的明灯，提供了细水长流的治愈和陪伴。
除了颜色以外，vivo S12 系列的外观设计采用了“潜意识”理念，为用户提供了一种不喧哗的使用和审美体验。虽然智能手机的终极使命是帮我们和世界保持联系，但没有人会真正享受一块沉重而单调的机身。毕竟，我们的分清醒时间都已经黏在手机上了，视觉上的享受和性能变得同等重要。
好的外观设计，会让用户在使用时“从表意识到潜意识都满意”——作为每天装在兜里、握在手上的工具，手机的重量、屏幕小和形状，都会日积月累地在我们的潜意识里留下痕迹：或许你不会清楚地意识到自己不舒服，但小拇指上用来单手握手机留下的浅浅凹陷，打游戏的间隙下意识甩手的动作，需要不断调整姿势才能勉强找到舒服的看剧方式——这些都是潜意识在向我们诉苦。
而 vivo S12 系列的潜意识设计，追求的是极致轻薄和手感。它采用了薄至 7.36 mm 的超薄曲面屏，同时兼顾了使用感和舒适的可视效果。它提供的不仅是“乍见之欢”，还有“久处不厌”。
同时，摄像头模组的“星链设计”由小几何圆环排列组合而成，仿佛星群连接，表达出坠入时空的奇妙想象。这种由几何提供的秩序感，看似微不足道，但是同样会在潜意识里提供一种掌控感——或许这种微小但持续的掌控感，能够将我们从失衡的边缘拯救回来。
莫奈曾经在一天中的不同时间、以及不同天气条件下画同一个主题。他最知名的一个系列是鲁昂教堂，在不同的光线和情绪下，这座哥特式建筑在他笔下呈现出完全不同的样貌。
莫奈的鲁昂教堂（La Cathédrale de Rouen）系列
vivo S12 系列在某些时刻，也会成为我们心中的画作——使用时，它是一款称职且性能出众的手机，而将它背面朝上放在桌上，它就成为了一个“观察对象”，成为我们不分四季和昼夜的灵感来源。
在这个就连 NFT 也被炒得火热的时代，我们至少应该达成一个共识：色彩不该被囚禁在美术馆的白墙上，它也可以成为一个每天装在口袋里的陪伴。手机已经不只是一个简单的触摸式通讯装置了，它和外套、戒指手表一样，代表了我们对生活中美好事物的品味，成为了个人风格的延伸。
而现在，设计师和工程师们开始测试各种材料、颜色和组合，用精确的制造工艺和材料化学，为我们呈上了一小块可以握在手心里的梵高。
撰文：Lili
编辑：乌云
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