艺术的审美价值与人文阐释艺术不仅是人类文化中最富创造性和表现力的一分,也是我们理解和感知世界的重要途径。艺术作品不仅可以引发人们的美学体验,更能引发我们对人生、社会和文化的深层思考。首先,艺术作品的审美价
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想象、缪斯、重构，蒲英玮都会从展览形式或者创作形式上考虑“突破性”。“艺术行业在迅速地变化，当代艺术的新面孔
当戴安娜王妃第一次挎上这只后来被命名为 LADY DIOR 的手袋时， 但有的艺术家停止了对变化的观察。”蒲英玮对自己的要求是要主动地、有策略性地找到不同。他欣然接受各种新的可能性，就注定它会成为时装史的传奇。
LADY DIOR 是时尚行业最早的“It Bag”之一，希望自己永远保持一种的状态去创作，它拥有利落的建筑感廓形，总让人有所期待。今年早些时候蒲英玮在英国伦敦Mamoth画廊的展览开幕，不过分时髦亦经得起时间考验；包身简洁，他与SuperELLE在展览现场进行了一次即兴创作。连线采访时，但表面的藤格纹细节却足够丰富；手柄和搭扣处的金属细节则与皮革面料形成了反差感。加上已故黛安娜王妃的故事，艺术家蒲英玮刚刚从英国伦敦结束为期三个月的驻留项目回到北京的工作室，LADY DIOR 更像是一种时尚符号，立刻马不停蹄地投入到下一个展览筹备中。从学生时代的写作、出版项目到成为职业艺术家之后的展览和近年与服装品牌的合作，一个艺术缪斯。
进入新世纪，蒲英玮始终专注地研究自己感兴趣的议题。同时，LADY DIOR 手袋则变成了一张经典画布。2011年，他不断尝试和探索新的表现方式，展览《LADY DIOR 我之所见》从上海启程，亦通过与纯艺术行业以外的朋友们合作，行至包括东京、首尔、柏林、米兰、圣保罗与特拉维夫在内的十余个城市。
2016年，启动了“DIOR LADY ART——艺术家限量合作系列”系列，邀请全球艺术家以就LADY DIOR 手袋为蓝本进行再次创作。
无论是在《LADY DIOR 我之所见》还是如今进行到第六届的“DIOR LADY ART——艺术家限量合作系列”中，所有作品都以 LADY DIOR 为“画布”，邀请世界各国的艺术家在其上作画。如何打破经典、突破框架似乎成为了所有参与创作艺术家最的挑战——同时亦是最的乐趣所在。这些作品聚集在一起，就构成了一座流动的美术馆。
11月12日，这座流动美术馆在上海西岸艺术中心面向艺术爱好者。从即日至11月23日，“与艺术”(ART’N DIOR) 展览在这座城市的艺术季里书写品牌与艺术的悠长故事。
此次“与艺术”(ART’N DIOR) 展览共涵盖内容：《LADY DIOR 我之所见》（LADY DIOR AS SEEN BY）、由12位艺术家参与的全新“DIOR LADY ART——艺术家限量合作系列”、“摄影和视觉艺术新秀奖”历届作品展及书店。四个分连接了过去与未来，诠释了时尚与艺术相伴相生的联系，更从某种程度上描摹了当代艺术的行进脉络。
2008年11月，在北京 UCCA 举办“与艺术家”的型展览，邀请包括张洹、李松松、荣荣与映里在内的二十余位艺术家，以各自的创作与设计作品对话。李松松用一件巨的霓虹雕塑，重新诠释了 LADY DIOR 手袋在现代艺术语境下的含义。张洹则用三幅作品通过对旧照片的想象从三个方面表达了对品牌创始人克里斯汀·先生（CHRISTIAN DIOR）人物性格的想象。
当李松松和张洹创作的全新的 DIOR LADY ART #6系列出现在西岸的展览中，不难看出两位艺术家精神世界和创作焦点的延续。
李松松的创作灵感来自公共图像，他将作品《剑法(三)》图像中的舞剑女子绘制在不同色调的颜料基底上，展现跳脱图像原本的剪辑场面，强调对同一主题的多重感知。
艺术家张洹将对生死、身心关系和记忆主题的持续探索延续到“樱花地”（SAKURA FIELD）迷你手袋系列中。繁复的串珠和亮片，展现以象征连结生死的佛教面具所交织成的一片樱花花海。
他的另一款 LADY DIOR 手袋的创作取材自《我的冬宫》系列。《我的冬宫》中出现的女性脸庞取自于伦勃朗1634年的画作，在原作中，伦勃朗赋予他的妻子莎士基亚·凡·乌兰布鲁赫花神的形象，取其春天之神，护花使者之象征。结合古老的制柜技艺，这款手袋将传统与现代、东方与西方的艺术语汇融合。
在《LADY DIOR 我之所见》中分，包括Peter Lindbergh、荣荣和映里在内的摄影师们围绕 LADY DIOR 创作的摄影作品在展四面环绕，与艺术家的特别艺术创作交相呼应。红白珠帘、釉面陶瓷、金属丝框架、铸铜雕塑……在艺术家的手下，LADY DIOR 以各种出人意料的艺术形态示人。
特别邀请6位艺术家带来他们的创作。艺术家蔡雅玲、梁曼琪、刘月、邬建安和张鼎的作品此前已经在深圳的展览中亮相过，王郁洋的作品《的奇闻》则是首次面世。打破 LADY DIOR 和形态和材质框架之外，这些特别创作融入了艺术家的个人印记和长期思考，从某种程度上亦像是当代艺术家的一次同题作文。
蔡雅玲的《乘风破浪》
用红色水晶珠帘呈现古画中的海浪纹理，
并以穿插有关于女性身体的图示。
珠帘随观者走近而摆动，
正隐喻着不惧风浪的女性力量的萌发。
张鼎的《无题》
在 LADY DIOR 原本的结构基础上用3D建模、
切割、雕刻、镀金和油漆工艺等
不同技术继续构建几何图形。
刘月的作品《时间的典礼》
将不同产地、材质、颜色的原石材料通过不同的
粘合方式置于经典的 LADY DIOR 之上，
像一朵盛开的花，
也像一个用原石构建的微型剧场。
邬建安带来AI互动影像装置《心面孔-LDASB》
通过人工智能程序 Face Match，
作品读取观者的表情并在万花筒般的
表面呈现色彩和波纹的剧烈变化。
梁曼琪带来的作品名为“喀纳斯”
这在蒙语里意为“美丽而神秘”，
这也是北疆的一处地名，
喀纳斯那些犹如神之手笔的冲击色彩，
一扫江南烟雨蒙蒙的灰色调，
极致又热烈，在梁曼琪看来，
这才是自然的常态，她自己也更喜欢
在画画时使用那些对比度比较高、诙谐的色彩。
“色彩是我在创作中最不加思考的分，
这种完全真实的直觉性输出，
也许观众更能感受得到。”梁曼琪说。
和以往梁曼琪擅长画的那些
将直线、弧线、几何图形解构重组的绘画不同，
作品《喀纳斯》直接把迷宫从画布
平面带到了三维世界。
《喀纳斯》用到了 18 种颜色喷绘喷漆，
试图再现平面作品中那种让人迷失的色彩空间感。
如果说那些结构和色块承载了梁曼琪理性的表达，
那么色彩就完全来源于她的感性与直觉。
“起初神创造天地……就在第七日
歇了他一切的工，安息了。”
这是写在王郁洋《的奇闻》旁的一句注释。
让计算机来“阅读”《圣经》里
这段有关“创世纪”的文字，
并由此创作一件雕塑——这看似
有些天方夜谭的想法，却被王郁洋实现了。
铜、铁、不锈钢、硅胶组成了
这件《的奇闻》。
在透明硅胶的包裹下，
这件作品像是将一个 LADY DIOR 扔入水中，
并将落水的那一瞬间定格保存了下来。
我们与艺术家
梁曼琪、王郁洋进行了对话，
试图一探他们创作背后的
直觉和奇闻。
“我对数学感兴趣，但是很多人误以为我理科很好，”梁曼琪对我们说，虽然不善于应付那些应试数学题，梁曼琪却拥有出色的空间逻辑推算能力，这一点在她的作品中得到了最直接的体现。
第一眼看到 LADY DIOR 的时候，梁曼琪就注意到了包身的几何图形，然而在创作时她打破了手袋原本方方正正的形式，重建了一个不规则形状的雕塑，“从一个角度去看，它是有线条的视错觉穿插。”
NN=NOWNESS
LMQ=梁曼琪
NN：《喀纳斯》中那些不规则的形状，你是怎么去思考和选择的？
LMQ：它们来自一些抽象的形象，比如说弧线可能来自的“D”字母——虽然我当时没有这么想。不过，我们日常会接触很多事物，它们会在你脑海里留下一些影子，形成资料库，创作的时候就是在调取这些资料。
NN：从早年只画直线，到后来越来越多弧线出现在画作中，你的创作情绪发生了怎样的变化？
LMQ：刚开始我画直线为主，画面给人一种特别理性，不会转弯的感觉，也非常贴合我当时的状态，特别坚硬。过了一两年，我自己的状态跟思考都发生了变化，弧线给我一种柔和的感觉，能为画面增加气孔，多一种呼吸感，在结构上也更多可能性，更丰富。
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NN：你的作品像是一个个空间实验，观看时犹如步入迷宫，作为迷宫的构建者，你会埋下一些线索，让观众找到出口或路线吗？
LMQ：其实是有的，我的作品表面看起来纷乱复杂，但我是有埋气孔在里面，希望让作品是通的。我相信，当我们来到越纷乱的地方，越想走通，找到把一切都连起来的线。如果观众愿意去我的作品寻找线索，那是最理想的，但如果他们只停留在表面，获得了愉悦感，那也 ok。
NN：你创作的空间完全是想象的，你会在意这些几何图形是否符合物理世界的几何规律吗？
LMQ：无所谓，我之所以坚持绘画创作，就是因为它带来的无拘束感。当然，我的灵感可能零零碎碎会来源于现实，但并非简单地反应现实逻辑，而是去挖掘它背后的规律。
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今年年初，王郁洋收到了的合作邮件，邀请他以 LADY DIOR 这款手袋为灵感进行创作。在王郁洋眼中，虽然这款包设计简洁，却有着强烈的未来感，容纳了很多未知的可能性。
再深入一步思考，“包”对人们究竟意味着什么？王郁洋觉得，从字面意思上来看，“包”意味着包罗万象，海纳百川。从功能上看，人类创造包是为了移动物体，每个包里都容纳了一个人的小小世界。
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这种创造世界的感觉，让王郁洋想起之前的作品系列，一个可以自发在网络搜集信息的计算机程序，并将这些收集来的图片和文字转化为二进制编码命令，独立创作。
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于是，王郁洋选择了《圣经》里那段描述地球诞生之前的故事，转化为 0 和 1 的二进制编码，再控制 3D MAX 软件，让计算机选择铜、铁、不锈钢、木头、水泥等不同材质，最后凝结成如这件雕塑作品，如宇宙鸿蒙时那般混沌无序，却又充满华丽烂漫的色彩。
就连作品的名字都是由计算机替王郁洋决定的。“阅读”完《圣经》后，计算机从《牛津字典》里选中了“奇闻”这个词，保存为文件名。于是王郁洋拍板，好，那作品就叫做《的奇闻》了。
NN=NOWNESS
WYY=王郁洋
NN：为什么最后你在雕塑外面又包上了透明硅胶的材质？
WYY：我想做一个透明、隐形、又有点像包的东西，所以就用了透明硅胶，它介乎存在和消失之间，将把手装上去后，它就像是一个“不存在”的包。其实我观察这个材料有好多年年了，这也是我第一次在作品中使用到它。包完成后，我又用刀在上面刻下很多痕迹，我希望它呈现出一种未来人对今天考古的结果，就像是琥珀那样。
NN：早在“王郁洋＃”这个作品中，你就已经让计算机完全不受你控制地进行创作，当这样的实践随着技术进步而越来越自发与成熟，艺术家会消亡吗？
WYY：我觉得不会，这些作品还是有艺术家参与其中，只是从创作者变成了制作者。之前我们一直在谈论艺术家思想的重要性，却忽略了制作，但是艺术家创作的手感、气质、使用的材质等，一切都会最终呈现在作品里。
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NN：在以往的作品中，无论是“会呼吸”的物体，还是将人的思维储存在电池里，你似乎迷恋于赋予“物”生命？
WYY：其实这是早期创作的思路，当时我是希望让物和人平等，所以就让物和人一样会喘气。但是我后来想，其实这不是单纯的“它是人，我也是人”的概念，背后应该还有别的东西。
我后来就做了磁带的作品，定制生产一盘磁带，从生产之初就开始记录磁带的声音，完成后再把声音导回到磁带上，那么这盘磁带就有了自己出生过程和经历的记录，它可以讲述自己。
磁带、纸、胶片，它们的诞生就是为了记录人的活动，所以我一直在找一个方式能让它自己来做这件事情，不断把更多权利让渡给物。
NN：自《再造登月》之后，对于“真实性”的怀疑就贯穿了你的创作，但你的作品其实也在虚构某种奇观，你会担心观众质疑这些作品的真实性吗？
WYY：我其实更想做的是质疑今天我们已经熟悉的事物，给予另一个角度观察它。换句话说，你越熟悉的东西，我越想把它给改变了。我们都知道这是个杯子，那我就想告诉你它不是杯子。当有了这样的冲突之后，你会去思考自己对它的认知。不然，我们生活的方式就是：杯子是杯子，生活就是生活，下班就是下班。我觉得能激起别人思考、怀疑、甚至不适，才是我创作中最主要的事情。
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撰文／醺子
编辑／水母
排版／www
NOWNESS
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